Nach dem Jahrhunderthochwasser der Elbe nutzte man die Gelegenheit, um das Albertinum in Dresden von Grund auf zu sanieren und umzubauen. Es gab einen Wettbewerb, an dem sich zahlreiche Architekturbüros beteiligten. Letztendlich erhielt das Architekturbüro von Volker Staab aus Berlin den Zuschlag. Sein Entwurf überzeugte durch eine völlig neuartige Struktur und viele Elemente, die schon anhand des Modells fantastisch wirkten. Jetzt, wo die Bauarbeiten endlich abgeschlossen sind und das Dresdner Albertinum wieder geöffnet ist, erstrahlt der Bau in neuem Glanz. Das Gebäude, das so viele Kunstschätze beherbergt, wurde absolut hochwassersicher gemacht, sodass bei eventuell auftretenden, zukünftigen Naturkatastrophen keine Gefahr mehr für die vielen Kunstgegenstände besteht. Die einzigartigen Lichtverhältnisse, die der Architekt geschaffen hat, setzen die wertvollen Kunstwerke fantastisch in Szene. Außerdem hat das Albertinum während der Umbaumaßnahmen einen zweiten Eingang erhalten, sodass die Besucher nun auch ihren Rundgang vom Georg-Treu-Platz aus beginnen können. Bislang gab es nur den einen Eingang über die Brühlsche Terrasse. Seit Ende Juni 2010 ist das imposante Gebäude endlich wieder geöffnet und zieht Besucher aus der ganzen Welt an.

Bodypainting ist eine ganz besondere Form von Kunst. Geniale Maler verwirklichen ihre Ideen auf dem menschlichen Körper und verwandeln ihre Models in fantastische Wesen aus einer ganz anderen Welt. In Preetz werden sich am 15. August 2010 schon zum dritten Mal Künstler und Kunstbegeisterte zusammen finden, um ihre Kreativität unter Beweis zu stellen und um die entstehenden Kunstwerke zu bewundern. Bodypainting ist faszinierend anzuschauen. In Preetz können Besucher dieses außergewöhnlichen Kunst-Festivals den Künstlern von Beginn an bis hin zur Vollendung ihrer Werke über die Schulter sehen. Ab 10 Uhr ist absolute Kreativität gefragt. Dann beginnen die Künstler damit, ihre Models in großartige, lebende Kunstwerke zu verwandeln. Um 15 Uhr sollten alle Künstler fertig sein. Dann wird eine Jury alle Werke bewerten und den Sieger des Bodypainting-Deutschland-Cups ehren. Die gesamte Veranstaltung wird von interessanten Kleinkünstlern und zahlreichen Kunsthandwerkern umrahmt. Alle Teilnehmer werden mit tollen Fotosessions belohnt. Die Sieger des Wettbewerbs erhalten außerdem Gutscheine und Sachpreise.

Das Bochumer Kunstmuseum startet in dieser Woche mit einer Ausstellung, deren Titel ein wenig verwirrt. „Geschriebene Bilder“ zeigt Werke unterschiedlichster Künstler, die Bilder und Buchstaben auf einzigartige Weise miteinander verbinden. Sie schaffen mit ihren Werken etwas, was dem Besucher bislang sicher unbekannt war. Sie zeigen, dass Buchstaben und Bilder miteinander harmonieren. Kalligrafische Elemente verleihen den Bildern etwas Ungewöhnliches. Vielleicht soll der Betrachter aus den Bildern lesen. Die Fantasie des Einzelnen wird so noch mehr angeregt. Natürlich kommen hier grafische Mittel zum Einsatz. Ornamente und Schriften spielen ebenfalls eine wichtige Rolle in dieser Ausstellung. Das Bochumer Kunstmuseum hat diese Ausstellung ausschließlich aus Eigenbesitz zusammengestellt. Zahlreiche Werke stammen von Willi Baumeister, einem der Künstler, dessen Arbeiten sich wunderbar in „Geschriebene Bilder“ eingliedern. Neben interessanten Bildern sind auch Holzschnitte von HAP Grieshaber zum Thema der Ausstellung zu sehen. Für Kunstinteressierte, die gern einmal etwas Außergewöhnliches sehen, lohnt sich diese Ausstellung mit Sicherheit.

Die große Kunst der Ikonenmalerei beherrschen nicht viele Künstler. Um einem breiten Publikum die Bedeutung von Ikonen und deren Wert in der orthodoxen Glaubenswelt zu vermitteln, zeigt das Ikonen-Museum Frankfurt über 1.000 Exponate in einer Dauerausstellung. Etwa 800 Ikonen entstammen einer großzügigen Schenkung von Dr. Jörgen Schmidt-Voigt, einem begeisterten Sammler und Kunstliebhaber. Alle weiteren Ausstellungsstücke sind entweder Dauerleihgaben anderer, großartiger Museen, Schenkungen privater Sammler oder Ankäufe, die das Ikonen-Museum Frankfurt im Laufe der Jahre getätigt hat. Ikonen sind Kult. Das wird bereits auf den ersten Blick deutlich. Sie vermitteln dem Betrachter einen interessanten Einblick in die orthodoxe Glaubenswelt. Diese Glaubensrichtung ist vor allem im Norden Russlands, in Äthiopien und im Nahen Osten stark verbreitet. Nicht nur Kunstinteressierte kommen hier auf ihre Kosten. Auch alle Besucher, die sich gern mit den unterschiedlichen Religionen auseinander setzen, werden im Ikonen-Museum ihren Horizont erweitern können. Eine koptische Papierikone gilt als wertvollstes Ausstellungsstück. Sie stammt aus dem 12. bis 13. Jahrhundert. Die Ausstellung umfasst aber nicht nur die typischen Ikonen-Bilder. Metallplastiken, Reise-Ikonen, Textilien, Segens- und Brustkreuze und diverse andere Exponate gewähren dem Besucher einen völlig neuen Einblick in die weit zurück reichende Geschichte des Christentums. Aber diese Dauerausstellung ist noch längst nicht alles, was das Ikonen-Museum Frankfurt zu bieten hat. In ständig wechselnden Sonderausstellungen werden bestimmte Themen rund um die Ikonen weiter vertieft. Außerdem veranstaltet das Museum regelmäßig Sonderprogramme. Viele ausgestellte Ikonen entstammen der Hand berühmter Ikonen-Maler wie zum Beispiel Michail Miljutin oder Emmanuel Tzanes. Da die Ausstellung ständig weiter ergänzt wird, lohnt sich der Besuch auch noch, wenn man sie bereits einmal gesehen hat. Die Räumlichkeiten erscheinen perfekt geeignet, um die zahlreichen Ikonen ins rechte Licht zu setzen. Der Architekt Oswald Mathias Ungers hat hier ganze Arbeit geleistet.

Katalanische Kunst hat einen Namen: Joan Miró. Der großartige Künstler schafft es mit jedem einzelnen seiner Werke, Kunstinteressierte zu begeistern. Das Spiel mit leuchtenden Farben und Linien prägt seinen Stil. Es ist erstaunlich, wie Miró jedem seiner Werke eine Art Zauber verleiht, der den Betrachter in seinen Bann zieht. Joan Miró ließ sich unter anderem von seinem Landsmann Pablo Picasso inspirieren, entwickelte aber schon früh seinen eigenen, außergewöhnlichen Stil.
Die Räumlichkeiten des Museums Frieder Burda sind perfekt für diese Ausstellung geeignet. Der Saal im Erdgeschoss ist von Licht durchflutet und bildet die ideale Kulisse für die großformatigen Bilder, die Miró in den 60ern schuf. Auch einige Bronzeskulpturen haben hier ihren Platz gefunden. Im Obergeschoss wird die detaillistische Periode seines Schaffens präsentiert.
Die Ausstellung „Miró. Die Farben der Poesie“ wird von verschiedenen, bedeutenden Museen und Privatsammlern unterstützt. Viele Werke stammen aus der Fundació Joan Miró Barcelona. Auch das Centre Pompidou Paris hat interessante Werke Mirós für diese Ausstellung zur Verfügung gestellt. Noch viele andere, bedeutende Museen und Sammler haben mit ihren Leihgaben diese großartige Ausstellung möglich gemacht. Sie ist noch bis zum 14. November im Museum Frieder Burda in Baden-Baden zu besichtigen.

Gemälde werden außerhalb der Galerie allerdings selten zur alleinigen Attraktion des Raums gemacht. Die Aufmerksamkeit des Betrachters wird schnell von anderen Dingen abgelenkt – von Möbeln, herumliegenden Büchern oder anderen Elementen des Raums. Das Kunstwerk wird dann nur noch als Teil der Wand gesehen und versinkt in der Gesamtheit der Raumausstattung. Damit das nicht passiert, kann man dem Gemälde mit einem Bilderrahmen
helfen.

Ein Bilderrahmen erfüllt vielerlei Funktionen. Er muss passend zum Gemälde und zur restlichen Umgebung ausgewählt werden, denn er rahmt dieses ein und bildet die Abgrenzung vom Bild zur Wand. Ein schöner Rahmen setzt einen deutlicheren Akzent als das Bild selbst, denn er ragt durch seine Form etwas hervor und bildet einen plastischen Kontrast zur flachen Wand. Damit bringt der Rahmen das Gemälde insgesamt besser zur Geltung und sorgt auch in möblierten Zimmern dafür, dass ihm die Beachtung der Gäste zuteil wird.

Der Rahmen für das Gemälde muss in jedem Fall passend zum Bild selbst gewählt werden. Wichtig sind dabei Farbe und Form. Die Rahmenfarbe sollte so gewählt werden, dass sie mit dem Bild harmoniert: Dabei kann sie entweder mit dem Gemälde verschmelzen oder einen deutlichen, aber schönen Kontrast bilden. Die Form des Rahmens beeinflusst ebenfalls, wie das Bild aufgenommen wird. Ein großer, aufwendiger Rahmen macht einen imposanten Eindruck, während ein schlicht gehaltenes Modell die Aufmerksamkeit eher auf das Bild selbst lenkt.

Mit der Ausstellung „Close Examination: Fakes, Mistakes and Discoveries“ zeigt die Londoner National Gallery derzeit Interessantes rund um Betrug und Fälschungen berühmter Gemälde. Kaum einem anderen Museum stehen derartig vielfältige Möglichkeiten zur wissenschaftlichen Untersuchung von Gemälden zur Verfügung wie der National Gallery in London. Fälschungsmethoden, die noch vor ein paar Jahren nicht nachzuweisen waren, werden heute mit modernsten Mitteln wie Chromatographie und Massenspektrometrie deutlich gemacht. In einem Nebengebäude der National Gallery, dem sogenannten Sainsbury Wing, erhalten die Besucher nun einen Einblick in die aufwendigen Analysetätigkeiten, die die Echtheit oder auch Fälschung eines Kunstwerks bestätigen. Leinwände, Farben und Holztafeln können mit Hilfe verschiedenster Methoden bis ins kleinste Detail auf ihre Echtheit geprüft werden. Durch die stark weiter entwickelten Untersuchungsmethoden gelingt es den Forschern, auch die besten Fälschungen nachzuweisen. Inzwischen wird deutlich, dass vielen Museen nicht bewusst ist, dass sie teilweise sehr gute Fälschungen ausstellen anstelle der Originale. Die Ausstellung „Close Examination: Fakes, Mistakes and Discoveries“ gewährt dem Besucher einen ganz neuen Einblick in die betrügerische Welt der Kunst.

Bernd Figgemeier ist ein Künstler, der schon in frühen Jahren einen wirklich außergewöhnlichen Stil entwickelt hat. Seine Reliefbilder verhalfen ihm zu großer Anerkennung in Expertenkreisen. Inspiration fand er schon als Schüler in alltäglichen Erlebnissen, beim Lesen oder einfach nur aus dem Beobachten seiner Mitmenschen. Mit seinen 70 Jahren saugt Bernd Figgemeier immer noch begierig jede Art von Inspiration in sich auf, um diese dann später in einem neuen Werk umzusetzen. Die Ausstellung im Kulturrat Gerthe zeigt einen großen Teil seines Schaffens. Mehr als 100 Bilder spiegeln die großartige Entwicklung wieder, die der Künstler im Laufe der Jahre durchlebt hat. Seine Skulpturen demonstrieren eine einzigartige Leidenschaft für seine Kunst. Der Künstler hebt sich neben seiner außergewöhnlichen Technik auch durch die Verwendung ungewöhnlicher Materialien von anderen Künstlern ab. Er mischt seine Farben mit Sand, verwendet Steine und andere Dinge für seine Reliefbilder. Auf drei Etagen finden viele Werke Figgemeiers einen Platz. Trotzdem ist die Ausstellung nur als Teil seines Gesamtwerkes zu betrachten.

In ein paar Tagen ist es soweit. Dann werden viele Werke großer Künstler der Öffentlichkeit präsentiert. Alle Werke stammen aus der „Fisher Collection“, der privaten Sammlung des verstorbenen Donald G. Fisher. Die große Kollektion des Gap-Gründers umfasst mehr als 1.100 Bilder und andere Kunstwerke von so namhaften Künstlern wie Andy Warhol, Gerhard Richter, Anselm Kiefer, Richard Serra, Cy Twombly und Roy Lichtenstein. Da sich die meisten der Werke über mehrere Jahrzehnte in Privatbesitz befanden, wurden sie noch nie zuvor der Öffentlichkeit präsentiert. Das Museum für Moderne Kunst in San Francisco eröffnet Ende Juni 2010 endlich die lang ersehnte Ausstellung. Die „Fischer Collection“ gilt als äußerst interessant, da hier die Kunstwerke völlig unterschiedlicher Künstler aufeinander treffen. Ein großer Teil der Ausstellungsstücke wird in San Francisco erstmals öffentlich zugänglich sein. Donald G. Fisher hat im Laufe der Jahre eine beachtliche Sammlung zusammen getragen.

Paul Wunderlich gilt als provokanter Künstler, der sich mit seinen Werken nicht nur Freunde schuf. Seine letzten Tage verbrachte er in der Provence, wo er seinen Zweitwohnsitz hatte. Dort verstarb er an einem Gehirnschlag. Großes Aufsehen erregte der Künstler in den 60er Jahren mit seinen zahlreichen Lithografien, die das Thema Erotik überdeutlich darstellten. Was damals hierzulande beschlagnahmt und bestraft wurde, fand in den USA großes Interesse. Das Museum of Modern Art New York kaufte alle „Skandal-Lithografien“ und stellte diese in den eigenen Räumlichkeiten aus. Eine weitere Reihe sorgte für große Aufregung. Paul Wunderlich schuf mit der Folge „20. Juli 1944“ Kunstwerke, die an das damals misslungene Hitler-Attentat erinnern sollen. Seine provokante Art zieht viele Kunstbegeisterte an. Gleichzeitig schreckt sie auch viele ab. Aber Kunst lebt von der Provokation, und der Erfolg gab Paul Wunderlich letztendlich Recht. Größter Kritikpunkt seiner Schaffenszeit war sicher die Tatsache, dass er auch kunstgewerbliche Gegenstände wie Möbel und Ähnliches schuf. Damit ging er einen großen Schritt in Richtung Kommerzialisierung seiner Kunst, was nicht allen gefiel. Als besonders spektakulär gilt seine Aufnahme an der französischen Academie des Beaux Arts. Schließlich war er der einzige deutsche Künstler, dem dies gelang. Paul Wunderlich wird in der Provence seine letzte Ruhestätte finden. Dort fand er seine Inspiration, und dort hat er sich Zeit seines Lebens wohlgefühlt.